Compositore, musicista e produttore artistico, Ambroise Willaume, che firma la sua musica come Sage, ha imparato il mestiere in un contesto poco comune: la Maîtrise de Notre-Dame de Paris, a partire dai sei anni, con la cattedrale come sala prove. Il resto si è svolto sul palco e in studio. Nel 2006, il gruppo Revolver, scoperto su Myspace da un direttore artistico, due album e cinque anni di tournée in Francia, in Europa e negli Stati Uniti. Poi i primi dischi a suo nome, e un ruolo che non aveva previsto: quello del musicista chiamato a strutturare la musica degli altri.
Questo ruolo inizia nel 2011 con Woodkid, che gli conia per l’occasione il termine di « song doctor ». Prende un’altra dimensione a partire dal 2014 con Clara Luciani, una collaborazione di oltre dieci anni, da La Grenade a Respire encore, con un quarto album in preparazione. Parallelamente, ha fondato Astral Bakers, un progetto in quattro, i cui dischi si realizzano nel suo studio e che descrive come il più compiuto del suo percorso.
In questo episodio di Tales, ripercorre i dischi folk che giravano in casa, il primo palco al liceo dopo sei mesi di chitarra, l’ansia che non ha mai perso e che rifiuta di perdere, cosa succede in una stanza quando più musicisti suonano insieme, e il disco che produrrebbe se potesse scegliere qualsiasi artista.
Ambroise Sage - Compositore, musicista e produttore
L’intervista Tales
Ti ricordi le tue primissime emozioni musicali?
Credo che i miei primissimi ricordi risalgano alla scuola materna, a scuola. C’era una festa, è molto vago, ma bisognava cantare qualcosa. E cantando mi sono accorto che mi piaceva. Una sensazione molto semplice: amare posare la propria voce su una musica, cercare di armonizzare i due elementi.
I miei primi ricordi più precisi arrivano alla Maîtrise de Notre-Dame de Paris, dove ho imparato la musica a partire dai sei anni. Era una formazione part-time, un po’ come uno sport-studio, e la nostra sala prove era la cattedrale. Non era una formazione particolarmente religiosa: si cantava per i concerti. Il contesto era piuttosto incredibile.
La musica era già presente nel tuo ambiente familiare?
Per niente. Non ho una famiglia di musicisti, nemmeno lontanamente. Ascoltavamo musica in casa, ma non ho avuto un’educazione particolare. Mia sorella suonava il pianoforte, quindi sentivo molta musica classica da bambino. Mia madre ascoltava molta musica classica, e avevamo anche qualche disco folk degli anni 60-70: Simon & Garfunkel, Cat Stevens, Léonard Cohen.
Quando li ascolto oggi, ho ancora quella sensazione molto forte di ritorno all’infanzia. Soprattutto Simon & Garfunkel. E anche ABBA: avevamo un best-of in macchina, che ascoltavamo in loop. All’epoca, quando c’era un CD in macchina, conoscevamo a memoria anche la sequenza dei brani.
Se dovessi dividere il tuo percorso in grandi capitoli?
Il primo è Revolver. Abbiamo creato il gruppo nel 2006. Avevamo aperto un Myspace perché era quello che si doveva fare all’epoca, e abbiamo registrato delle demo per alimentarlo. È così che siamo stati contattati da un direttore artistico. Pensavamo fosse uno scherzo, anche i miei genitori. E invece era vero. Abbiamo firmato, pubblicato due album, girato per cinque o sei anni senza fermarci, in Francia, in Europa, negli Stati Uniti. Avevamo una ventina d’anni, scoprivamo tutto all’improvviso.
Il secondo capitolo è Sage, da solista. I miei primi dischi a mio nome. Parallelamente, ho iniziato a fare musica per gli altri. La prima collaborazione importante è stata con Woodkid, verso il 2011, verso la fine di Revolver.
Il terzo capitolo è Clara Luciani. Ci siamo incontrati nel 2014. Abbiamo lavorato a lungo nell’ombra, senza che prendesse subito piede. Anche La Grenade non è esploso subito. E poi, a un certo punto, è diventato inevitabile.
Il quarto capitolo è Astral Bakers. Un progetto di gruppo, in quattro, dove facciamo la musica insieme. È probabilmente ciò che c’è di più compiuto oggi, e soprattutto ciò che mi rappresenta di più.
Il gruppo sembra essere un concetto centrale nel tuo percorso.
Fare musica da soli, a un certo punto diventa abbastanza triste. Dopo aver conosciuto l’esperienza del gruppo, ho vissuto molto male le tournée da solista: essere solo sul palco, solo prima e dopo i concerti. Uscire dal palco è terribile quando non hai nessuno con cui condividere tutto questo.
La musica è qualcosa da condividere. Ciò che mi interessa oggi non è tanto la tecnica quanto l’ascolto e l’interazione. Cercare quella fragilità che rende una buona presa, quel momento in cui succede qualcosa che non avevamo previsto.
Quando produco dischi, cerco sempre che ci siano più strumenti che suonano insieme, o almeno più elementi che interagiscono. Questo rende la musica più viva, più imprevedibile. Anche se c’è una realtà economica (un gruppo costa di più da far girare), con Astral Bakers non riesco a immaginare di suonare senza uno dei quattro. Sarebbe troppo strano.
Quando hai capito che la musica sarebbe diventata centrale nella tua vita?
La prima volta che sono salito sul palco, alla festa del liceo. Avevo sei mesi di chitarra. Eravamo molto timidi. Abbiamo suonato un pezzo dei Red Hot Chili Peppers. E lì, ho provato qualcosa di molto forte: superarsi, diventare qualcun altro, andare oltre ciò che pensiamo di essere.
È stato un salto nel vuoto. Un rischio totale. E allo stesso tempo, un abbandono incredibile, dalla prima nota. Sicuramente non ero molto bravo, ma quella sensazione mi ha segnato. È davvero il palco che mi ha dato voglia di continuare.
Parli spesso dell’ansia da palcoscenico. Che rapporto hai con lei?
È molto ambivalente. Prima dei concerti importanti, un’ora o due prima, mi chiedo sempre perché mi infliggo questo. Mi dico che è orribile. E succede ogni volta.
Ma i pochi concerti in cui non avevo ansia, in cui ero rilassato, li ho trovati molto tristi. L’ansia fa parte del pacchetto. Ci sono pochi momenti nella vita in cui si prova questo. E dopo il concerto, è così esaltante.
Ce l’ho da sempre, anche quando suonavo nei bar a 18 anni. Prima di salire sul palco, già mi dicevo: «perché faccio questo?» Eppure, ci tornavo.
La tua collaborazione con Clara Luciani sembra decisiva.
Con Clara, ciò che è sempre abbastanza sorprendente sono i momenti di scrittura. Quelli in cui siamo semplicemente in studio, senza un piano molto definito.
In genere, genero molte idee musicali: sequenze di accordi, motivi, melodie. A volte è abbastanza intuitivo, quasi casuale. E a un certo punto, sento che qualcosa la colpisce. Allora inizia a canticchiare sopra. Quando c’è quell’allineamento (tra ciò che suono e la melodia che trova), succede qualcosa di molto particolare.
È come una coreografia. Ci troviamo, ci allineiamo. Penso che Clara sia la prima persona, dopo Revolver, con cui ho ritrovato questa sensazione di “danza musicale”. Con i miei amici di Revolver, Christophe e Jérémy, l’avevamo sviluppata nel tempo: una comprensione quasi istintiva, senza bisogno di parlare. Ci conoscevamo così bene, e cercavamo un po’ le stesse cose.
Con Clara, c’è qualcosa di simile anche. Oggi lavoriamo al quarto album, e collaboriamo da più di dieci anni. È abbastanza impressionante vedere quanto alcune idee sembrino emergere naturalmente, quasi contemporaneamente, in uno e nell’altro.
Il fatto che le nostre canzoni abbiano incontrato un pubblico così ampio e siano diventate così popolari mi ha, credo, molto rasserenato rispetto a questa tensione.
Lavorare con Clara mi permette anche di esplorare lati della mia personalità musicale che probabilmente non avrei esplorato da solo. Sul secondo album, per esempio, con questa svolta più disco, ho iniziato a lavorare linee di basso molto presenti, a slappare, a cercare groove. Sono cose che probabilmente non avrei mai fatto per la mia musica personale.
Woodkid è stato anche un incontro importante.
È la prima persona che mi ha chiesto di aiutarlo a lavorare sulla sua musica fuori dal mio gruppo. Non avevo mai pensato a questo ruolo. Woodkid è qualcuno di brillante, bulimico, capace di fare tutto. Ha un approccio molto visivo e testurale alla musica.
Io sono arrivato a strutturare le sue intuizioni, mettere gli accordi al posto giusto. È stato estremamente formativo. Ed è lui che mi ha dato fiducia in questo ruolo più discreto, mostrandomi che poteva essere appassionante.
Come vivi questa posizione spesso descritta come “nell’ombra”?
È una parte di me, ma non basterebbe. Avrei difficoltà a fare solo questo. Ho bisogno di continuare a cercare per me, altrimenti ho la sensazione di seguire una ricetta.
Quando sono produttore, rimango al servizio dell’opera di qualcun altro. Accetto anche le scelte dell’artista: è la sua musica, è lui o lei che la difenderà sul palco. Non ho un ego mal posto rispetto a questo.
In Astral Bakers, come si organizza questo ruolo?
Cerchiamo soprattutto di fare in modo che ciascuno abbia una vera libertà di gioco e di proposta. I dischi si fanno nel mio studio, quindi sono più spesso dietro al computer, ma siamo quasi sempre insieme. È un equilibrio abbastanza ibrido, ma che funziona bene.
Parli spesso di vincoli nella creazione.
Trovo sempre positivo partire da vincoli, anche arbitrari. È un punto di partenza. Un nuovo strumento, per esempio, è sempre molto ispirante: si apre un piccolo mondo.
Trovo anche essenziale continuare a comporre fino all’ultimo secondo. Spesso, le migliori canzoni arrivano alla fine, quando sei totalmente immerso. Respire encore con Clara è arrivata l’ultimo giorno in studio. Non dovevamo comporre. E in mezz’ora, la canzone era lì.
Se avessi una carta “magica” e potessi realizzare l’album dell’artista che scegli, sia vivo che scomparso, chi sceglieresti?
David Bowie. Perché non ha mai smesso di cercare. Anche il suo ultimo album è appassionante. Mi piace anche l’idea che i suoi dischi si facessero in fretta. Adoro la sensazione di fare un disco quasi senza accorgermene.
