Compositrice di musica per immagini, Clémence Ducreux ha costruito il suo percorso ai margini delle strade tradizionali. Pianista a orecchio più che da spartito, frequenta una scuola di ingegneria del suono, l’ISTS, prima di entrare alla Berklee College of Music di Boston, dove si forma nella composizione per il cinema e i videogiochi. Le dobbiamo in particolare la musica della serie Enjoy e dei lungometraggi Des jours meilleurs e Classe moyenne. Nutrita fin da giovanissima dal minimalismo di Philip Glass e John Adams, sviluppa una scrittura fatta di motivi ripetitivi, texture ed evoluzioni lente, dove la sfumatura conta quanto la melodia.
In questa puntata di Tales, Clémence ripercorre i suoi primi ricordi legati alla musica, un percorso che descrive come una salita «a gradini», e quella fascinazione per i motivi ossessivi che struttura ancora oggi il suo modo di comporre. Racconta anche il contrasto tra una formazione da ingegnere del suono vissuta per default e la liberazione rappresentata da Berklee, prima di affrontare il suo lavoro recente sulla serie Enjoy e i suoi lungometraggi, e ciò che guida davvero le sue scelte: l’emozione da suggerire e il rapporto con il regista o la regista.
Clémence Ducreux
L’intervista Tales
Quali sono i tuoi primi ricordi legati alla musica, le prime emozioni che hai provato grazie ad essa?
Penso sia successo abbastanza presto. Ho iniziato a suonare il pianoforte a sei anni, quindi mi ci sono immersa rapidamente. A casa comunque si ascoltava musica, e poi è arrivato il lettore CD portatile. Ricordo di averlo avuto verso la fine delle elementari, e lo tenevo sempre alle orecchie. Che fosse per andare a scuola o a casa, adoravo quella vicinanza delle cuffie. Penso che le prime emozioni legate alla musica siano arrivate davvero in quel periodo, relativamente presto.
Parli della casa, di questo ambiente: vieni da una famiglia molto legata alla musica?
Non proprio. Mio fratello lavora nella musica, ma ci si è avvicinato più tardi, e soprattutto se n’è andato di casa piuttosto tardi, quindi da piccola non sono stata particolarmente immersa nella musica grazie a lui. E poi non ascoltiamo affatto la stessa musica. I miei genitori, invece, non sono per niente nella musica, sono più orientati verso il cinema. Neanche il mio altro fratello. Quindi no, non direi di essere cresciuta in un ambiente musicale.
Quindi possiamo dire che sei andata a cercarti la musica da sola?
Sì, penso di essere andata a cercarla. Non saprei dire esattamente dove, ma sì, è andata così.
Se dovessi individuare alcuni grandi capitoli del tuo percorso, dall’adolescenza a oggi, quali emergerebbero?
Ho iniziato il pianoforte a sei anni con lezioni classiche che non mi entusiasmavano granché. Avevo molte difficoltà con il solfeggio e l’apprendimento tradizionale. Molto presto ho iniziato a suonare soprattutto a orecchio, cercando di riprodurre quello che sentivo. È diventato un gioco. Ho preso qualche lezione, poi ho smesso abbastanza rapidamente.
Dopo il liceo ho frequentato una scuola di ingegneria del suono, l’ISTS. Parallelamente, ero già molto appassionata di informatica alle medie e al liceo. Volevo fare musica da film, ma non frequentavo il conservatorio. Ero già molto immersa nei software musicali, in particolare Logic, e mi piaceva moltissimo.
Finita la scuola, sono partita per Boston per studiare alla Berklee College of Music. Per entrarci serviva uno strumento di base, quindi mi sono rimessa seriamente al pianoforte per diversi anni, sempre a orecchio, senza spartiti. Lì sono stata davvero formata alla musica per immagini: cinema e videogiochi. E appena uscita, ho iniziato subito a lavorare.
Con il senno di poi, c’è stata una svolta decisiva nel tuo percorso?
Il mio percorso è avvenuto in modo piuttosto progressivo, a gradini. Non c’è stato un momento in cui tutto sia esploso all’improvviso. Ho iniziato con molti cortometraggi, documentari, poi un primo lungometraggio, una serie, e a poco a poco le cose si sono concatenate.
C’è stato però un momento molto significativo: una telefonata ricevuta una mattina molto presto, da un produttore, per dirmi che due registi volevano lavorare con me sul loro primo lungometraggio. All’inizio ho pensato fosse uno scherzo, non ero ben sveglia, non sapevo nemmeno chi fosse. E invece era tutto vero. È successo relativamente presto nel mio percorso, e mi sono ritrovata coinvolta in un film importante, con una grande squadra.
È stata davvero una svolta. Le persone hanno iniziato a fidarsi di più di me, a prendermi più sul serio. E anch’io mi sono detta: «ci siamo, si parte». Quell’anno è stato molto intenso: questo primo lungometraggio, una serie in parallelo, tante cose si sono giocate nell’arco di circa nove mesi. Era l’anno scorso, e chiaramente un anno decisivo.
Parli spesso di un’influenza della musica minimalista. Da dove viene e come ti accompagna?
Ho scoperto la musica minimalista molto presto, con il pianoforte. Philip Glass, John Adams, sono stati riferimenti importanti. Parallelamente, mio fratello ascoltava molta minimal electro house. A casa, quando ero piccola, mi faceva ascoltare tantissimi vinili. Non mi piaceva affatto, ma ricordo benissimo quell’esercizio in cui mi diceva: «ascolta, qui entra uno strumento, qui un secondo motivo, qui un terzo».
Molto rapidamente, questi motivi ripetitivi, un po’ ossessivi, mi hanno segnata. Io stessa sono abbastanza ossessiva, e questi motivi mi restavano in testa per giorni. Adoravo cercare di riprodurli al pianoforte, per poi aggiungerci qualcosa sopra.
Quando ho iniziato a comporre, facevo già così senza capirlo davvero: prendere un motivo, ripeterlo in loop, cercare armonie a orecchio. E ancora oggi lavoro esattamente in questo modo. Anche quando faccio musica più elettronica, parto sempre da un tema ripetuto, poi sovrappongo strati, di pianoforte o di altri strumenti. La musica minimalista c’è sempre stata, e penso che ci resterà.
C’è quasi un’idea di trance in quello che descrivi?
Assolutamente. È molto ossessivo. Cambi una sola nota e tutto ribalta, mentre intorno non si è mosso nulla. È una musica molto ricca con pochi elementi, ed è questo che amo.
Questo approccio a volte ti mette in contrasto con forme musicali più pop?
Sì, assolutamente. Quando lavoro su film, la logica è completamente diversa, ma mi capita anche di comporre per album di libreria musicale. Ne ho fatto uno di recente, e mi si chiedeva una struttura molto pop: strofa, ritornello, A, B, bridge… Quello che mi interessa di più è l’evoluzione lieve, progressiva, da un punto A a un punto B, a volte completamente diverso, senza dover per forza passare da ritornelli o strutture fisse.
Hai seguito una formazione da ingegnere del suono prima di Berklee. Che sguardo hai su quel percorso oggi?
Per essere del tutto trasparente, ho fatto quella scuola per default, non per scelta. Non ero affatto orientata verso una metodologia tradizionale. In Francia, a quell’epoca, non esisteva davvero una scuola di musica pura al di fuori del conservatorio.
Ci sono andata pensando che fosse ciò che più si avvicinava alla musica da film. Ma sono stati tre anni piuttosto pesanti. Ho smesso completamente di suonare il pianoforte. Vedevo i miei compagni appassionati dalle console, dai pulsanti, dalla tecnica, e io non ci trovavo quasi nessun piacere. Ogni volta che c’era un progetto un po’ creativo, ero io a occuparmene, ma restava marginale.
Dopo quella scuola, ho smesso con la musica per due anni…
Berklee è stata quindi una rottura molto forte?
Sì, una vera liberazione. Per la prima volta mi sono sentita legittimata a pensare di poter fare musica da film. Ho imparato moltissimo. Circa il 50% degli studenti era straniero, il che creava una ricchezza incredibile, musicale e umana.
C’era anche il metodo americano: invece di sottolineare i tuoi difetti, ti chiedono quali sono i tuoi punti di forza, e li spingono al massimo. All’inizio è stato molto impressionante. Poi ho capito che c’era spazio per tutti, soprattutto nella musica per immagini, dove la creatività non si misura come una performance.
I primi mesi sono stati intensi, poi sono salita sul treno. Ed è stato fantastico.
Questa mentalità ti accompagna ancora oggi?
Sì, certo. Ho mantenuto questo rapporto molto sano con la musica: non giudicare il lavoro degli altri, preferire il collettivo alla competizione. La competizione può stimolarmi, ma preferisco lavorare in squadra. Nella musica da film, se non si ha un rapporto equilibrato con la creazione, non funziona. È già un mestiere molto esigente dal punto di vista emotivo.
Lavori molto su progetti recenti: serie, lungometraggi. Com’è andata la serie Enjoy?
Mi hanno contattata dopo un festival dove avevo fatto un cine-concerto. La produttrice mi aveva vista sul palco e pensava che il mio universo si adattasse bene alla serie. In origine doveva essere una competizione tra più compositori, ma alla fine mi sono ritrovata da sola.
Ho lavorato su sei episodi di circa quaranta minuti ciascuno. Il ritmo era molto serrato, tanto più che avevo un lungometraggio in parallelo, con dei mixaggi previsti nello stesso periodo. È stato molto intenso, ma estremamente stimolante. Ho potuto andare sul set, scegliere i miei giorni di presenza, lavorare a stretto contatto con i montatori. Tutto si è concatenato in modo abbastanza naturale.
Il tuo primo lungometraggio, Des jours meilleurs, è stata anche un’esperienza significativa.
Sì, è il primo lungometraggio su cui ho lavorato. I registi avevano scoperto la mia musica tramite il sito del collettivo Troisième Autrice. Un brano che avevo fatto per me stessa, senza immagini, è diventato il tema del film. Il film è stato addirittura montato sulla musica, il che è molto raro per un lungometraggio. Questo ha reso il processo estremamente fluido. Per un primo film, è stato molto piacevole, tanto più che stavo facendo esattamente la musica che amo fare.
Sei intervenuta anche su Classe moyenne.
Sì, anche lì c’è stato un legame molto forte con brani già esistenti. Sono arrivata su un montaggio quasi definitivo, con immagini molto belle. Ho soprattutto declinato un tema che avevo composto diversi anni prima. Il processo è stato molto rapido, molto fluido. Ci sono state pochissime versioni, e il lavoro si è svolto in circa tre mesi.
Cosa conta di più per te quando scegli un progetto?
Ciò che mi attira per primo è l’emozione che dovrò suggerire attraverso la musica, e lo stile musicale che il progetto mi porta a esplorare. Il tema conta, ma il rapporto con il regista o la regista è essenziale. Se il rapporto è complicato, questo mi impedisce di creare. Ho bisogno di un buon rapporto umano e di un progetto la cui emozione e la cui musica mi parlino.
Se avessi una carta «magica» e potessi comporre la musica di qualsiasi film?
Sarebbe per forza un film di texture. Film come American Beauty, con la musica di Thomas Newman, o Aftersun. Film in cui in apparenza succede poco, ma internamente moltissimo, e dove la musica traduce proprio quell’emozione.
